George Harrison

 (Liverpool, 1943 - Los Ángeles, 2001) Guitarrista y compositor británico de música pop, miembro fundador de los Beatles. George Harrison nació el 24 de febrero de 1943 en Wavertree, suburbio de Liverpool, ciudad por entonces devastada por los aviadores nazis.

 Su padre, Harold, fue marinero y conductor de autobús, y su madre, Louise, ama de casa, era de origen irlandés e intentó educar a sus hijos (tres niños y una niña) en el catolicismo. Harrison recordó haber tenido una infancia feliz, aunque humilde. Creció en una pequeña casa de protección social, sin cuarto de baño y a veinte minutos a pie de la estación donde tomaba el autobús para ir a la escuela.

De The Quarrymen a los Beatles

Desde pequeño, escuchaba todo tipo de música por la radio, desde el viejo music-hall británico hasta el country de Hank Williams. A los trece años le compró a un amigo su primera guitarra, por algo más de tres libras. Por entonces se hizo amigo de Paul McCartney, con quien realizaba el mismo trayecto diario en autobús. Paul le presentó a John Lennon, con quien formaba el grupo The Quarrymen.

George se uniría a ellos más tarde, ya que entonces era demasiado joven (catorce años). Paul era nueve meses mayor, y John le llevaba dos años. Por entonces, estaba enamorado de Fats Domino, Elvis Presley y del rock, aunque lo que tocaba era skiffle: una especie de rockabilly en el que la percusión consiste en una escobilla frotando una tabla de fregar, y cuyo máximo ídolo era Lonnie Donegan.

Harrison participó en la primera formación de los Beatles, con quienes trabajó durante años en clubes de Liverpool y Hamburgo (Alemania). La historia emprendió el vuelo cuando, en 1962, el mánager Brian Epstein les consiguió un contrato con EMI y grabaron, con George Martin de productor, Love me do. Durante esa sesión fue expulsado el batería Pete Best. Su sustituto, Ringo Starr, se convertiría en uno de los mejores amigos de George hasta el final de sus días.

En pocos meses, el grupo se convirtió en un fenómeno de masas en Gran Bretaña, y en 1964 en el grupo favorito de América con I want to hold your hand. La película A hard day’s night, estrenada el mismo año, hizo de la «beatlemanía» un fenómeno mundial.

La primera canción de George que apareció en un disco de los Beatles fue Don’t bother me, del segundo álbum, Meet the Beatles, pero sus composiciones no tuvieron apenas salida hasta años más tarde. Su contribución como guitarra solista al sonido de la banda fue, sin embargo, decisiva. Sus punteos afilados y melódicos, herederos de Chet Atkins y Carl Perkins, y su acompañamiento vocal a las armonías de Lennon y McCartney fueron sus señas de identidad más características. 

 

En 1966 se casó con la modelo y actriz Patti Boyd. Ese mismo año, los Beatles abandonaron los escenarios para consagrarse al trabajo en estudio, y Harrison entró en su fase más productiva en la banda. Aportó tres temas al clásico Revolver, entre ellos Taxman, y experimentó con instrumentos inéditos en el mundo del pop, como el sitar indio (él fue el introductor de Ravi Shankar en Gran Bretaña). Enamorado de la música y la religión hindúes y gran aficionado al LSD, participó activamente en Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967), probablemente el disco más famoso de la historia, que dio el fogonazo de salida al «verano del amor», al hippismo y a la psicodelia.

En 1968 arrastró a los otros tres beatles y sus respectivas esposas a unas jornadas de meditación en la India con el Maharishi Mahesh Yogi, un gurú espiritual que había conocido a través de Patti. La idea de George no llegó muy lejos, y en lugar de unir más al grupo tras la muerte del mánager Epstein, acentuó las discrepancias entre los cuatro. Aquel año publicó la banda sonora de la película Wonderwall music, el primer disco en solitario de un beatle, y compuso While my guitar gently weeps, una de las canciones más bellas del álbum conocido como «doble blanco».

Carrera en solitario

Para Abbey Road (1969) aportó dos de sus mejores composiciones: Here comes the sun y Something, el primer single de los Beatles no firmado por Lennon-McCartney, que fue número uno en ventas en Estados Unidos. Poco después de la separación oficial de la banda, publicó el triple All things must pass (1970), con material acumulado durante años. Fue saludado como una obra maestra y contenía el éxito My sweet lord, una oda al Hare Krishna que fue el primer número uno en ventas logrado por un beatle en solitario. Años más tarde, sin embargo, tuvo que pagar una cuantiosa multa por ese tema, acusado de ser un «plagio involuntario» del She’s so fine de The Chiffons.

En 1971 impulsó el Concierto por Bangladesh, junto con Bob Dylan, Eric Clapton y Ringo Starr, entre otros, del cual se hicieron una película y otro triple disco. Sin embargo, el dinero recaudado estuvo retenido casi una década por culpa de las disputas legales acumuladas por los Beatles. A pesar de las tremendas expectativas creadas, el material publicado por Harrison en los años setenta no fue de gran nivel: discos como Living in the material world, publicado en 1973, Dark horse (nombre también de la discográfica que fundó en 1974) o 33 & 1/3 (1976) estaban claramente por debajo de All things must pass.

A mediados de los años setenta se separó de Patti, que lo abandonó por su amigo Eric Clapton (un hecho muy publicitado por la prensa, aunque ambos nunca abandonarían su amistad). Poco después se casó con su segunda y última esposa, Olivia Arias, que le dio su único hijo, Dhani, nacido en 1978. Ese mismo año impulsó la productora cinematográfica Handmade Films, nacida para sacar adelante la película La vida de Brian, de los Monthy Python. La compañía se convirtió en una importante referencia del cine alternativo británico en la década de los ochenta, aunque fracasó en su intento de ampliar mercados con la fallida Shanghai Surprise (1986), con Madonna y Sean Penn, y acabó en venta.

Última grabación con los Beatles

Harrison se alejó de la vida pública tras el asesinato de Lennon en 1980, y publicó la autobiografía I me mine en 1982. Volvió a la actualidad musical con el gozoso Cloud nine (1987), uno de sus mejores discos, que contenía el éxito Got my mind set on you. A continuación se sumó al curioso proyecto The Traveling Wilburys, un supergrupo junto a Bob Dylan, Tom Petty, Jeff Lynne y Roy Orbison. Publicaron dos discos, Volume I (1988) y Volume III (1990, Orbison, fallecido, fue sustituido por Del Shannon), llenos de optimismo y buenas melodías.

En 1992 publicó el directo Live in Japan, que sería su último disco en solitario aparecido en vida. En 1995 se reunió con los otros dos beatles para grabar sus voces encima de dos canciones inéditas de Lennon, Free as a bird y Real love, pero por enésima vez se descartó el regreso de la banda. Ccon su característico sarcasmo, Harrison declaró: «Los Beatles no se reunirán mientras John siga muerto».

En 1999, un desequilibrado irrumpió en su mansión en Oxfordshire, en el sur de Inglaterra, y lo apuñaló en el pecho. Pudo escapar a la muerte gracias a que su mujer redujo al desconocido con una lámpara. En sus últimos días, George no dejó de crear música. Grabó su última canción un mes antes de su muerte, A horse to water, coescrita con su hijo Dhani, y que fue publicada la misma semana en que se despidió del mundo con el mensaje: «Amaos los unos a los otros».

El 29 de noviembre de 2001, George Harrison murió rodeado de su mujer y su hijo en casa de un amigo en Los Ángeles, California. Su lucha contra el cáncer le había llevado a varias intervenciones en clínicas de Suiza y Estados Unidos, desde que se le detectó un tumor en la garganta en 1997. La reina Isabel II, el presidente George W. Bush y los primeros ministros británico y francés, Tony Blair y Lionel Jospin, entre otros, expresaron sus condolencias, y los dos beatles que le han sobrevivido, Paul McCartney y Ringo Starr, lamentaron emocionados la pérdida de su amigo.

Mientras el mundo iniciaba el duelo y miles de aficionados se reunían en lugares emblemáticos de la memoria beatle -los estudios Abbey Road, en Londres, los Strawberry Fields de Nueva York o el local The Cavern, en Liverpool-, los medios de comunicación recordaban la poco reconocida contribución creativa de Harrison, durante mucho tiempo, a la música de los Beatles y su influencia en géneros como la psicodelia. También, su introducción de temas espirituales en el mundo del pop y su devoción por las causas humanitarias, que le llevó a impulsar, en 1971, el Festival por Bangladesh, el primer concierto benéfico de rock.

Su pérdida conmocionó a generaciones enteras en todo el mundo, sólo un año depués de que los Beatles volvieran al número uno de ventas con el recopilatorio Anthology. Su legado en la obra de la banda más famosa del mundo y dentro de la música rock es indiscutible.

El caracter retraído y a veces esquivo de George le valió el apodo de «el beatle silencioso», «serio», o incluso «místico», por su afición a las religiones orientales, en oposición a la exhuberancia y el magnetismo de sus compañeros de banda. Sin embargo, a su muerte, sus amigos recordaron principalmente su humanidad, su cáustico sentido del humor y su capacidad para disfrutar de la vida y de aficiones mundanas como la jardinería y los coches deportivos.

PAUL NEWMAN
(1925-2008)


Medía 1'77.




Paul Leonard Newman nació el 26 de enero de 1925 en Shaker Heights, Ohio (Estados Unidos), en una familia acomodada que se dedicaba al comercio de productos deportivos. Sus padres se llamaban Arthur y Theresa. Tenía un hermano mayor de igual nombre que su progenitor.
Al joven Newman no le atraía demasiado el mundo de los negocios y a pesar de que estudió Económicas en la Universidad Kenyon nunca llegó a ejercer la profesión de su padre.
Cuando ingresó en 1951 en la Escuela de Interpretación de Yale ya tenía experiencia como actor amateur en su etapa colegial y universitaria. En Yale y posteriormente en el famoso Actors Studio fue perfeccionando sus aptitudes interpretativas.
En la ciudad de Nueva York logró debutar como actor en series de televisión y en Broadway, consiguiendo un notorio éxito crítico con su participación en la obra "Picnic".
Esa interpretación teatral y su atractivo físico fueron claves para abrirle las puertas del mundo del cine.

La productora Warner Bros fue la primera en interesarse por Paul Newman, quien debutó en la gran pantalla en "El cáliz de plata" (1954), una película de tema histórico dirigida por Victor Saville que estaba co-protagonizada por Jack Palance y Virginia Mayo. El film no era nada del otro mundo pero sirvió al intérprete de Ohio para afianzarse definitivamente en el séptimo arte. Su gran oportunidad llegó cuando fue elegido para encarnar al boxeador Rocky Graziano en "Marcado por el odio" (1956), un título dirigido por Robert Wise que supuso el debut cinematográfico de Steve McQueen.

A raíz de esta interpretación Newman fue escalando posiciones dentro del estatus de Hollywood hasta convertirse en una de las grandes estrellas en la historia del séptimo arte.
En 1949 el actor de Ohio contrajo matrimonio con Jackie Witte. La pareja permaneció casada hasta finales de los años 50, época en la que se enamoró de Joanne Woodward, una actriz a la que había conocido en el Actors Studio. Paul y Joanne se casaron en el año 1958.

En la década de los 50 Newman apareció en películas como "The Rack" (1956) de Arnold Laven, "El zurdo" (1958) de Arthur Penn, "La gata sobre el tejado de zinc" (1958), película de Richard Brooks que adaptaba una obra teatral de Tennessee Williams, "La ciudad frente a mí" (1959) de Vincent Sherman, y dos films con su mujer Joanne: la comedia "Un marido en apuros" (1958) de Leo McCarey, y el drama "El largo y cálido verano" (1958), un título dirigido por Martin Ritt. Su categoría como actor fue valorada por sus compañeros con su primera nominación al Oscar por su interpretación junto a Elizabeth Taylor en "La gata sobre el tejado de zinc". El galardón se lo llevó David Niven por su actuación en "Mesas separadas".

Esta trayectoria espléndida en los últimos años del decenio prosiguió durante los años 60, período en el que Newman dejó atrás la primera influencia de Marlon Brando y alcanzó un gran reconocimiento profesional gracias a sus apariciones en "Desde la terraza" (1960) de Mark Robson, "Éxodo" (1960) de Otto Preminger, "Un día volveré" (1961) de Martin Ritt, o "El buscavidas" (1961), un film de Robert Rossen por el que volvió a ser nominado al Oscar. La estatuilla fue a parar a manos de Maximiliam Schell por "Vencedores o vencidos".
Otros títulos importantes en esta década fueron "Dulce pájaro de juventud" (1962), película dirigida por Richard Brooks, "Hud" (1963), de nuevo bajo la mirada de Martin Ritt, "El premio" (1963) de Mark Robson, "Cortina rasgada" (1966), film de Alfred Hitchcock, "Harper, investigador privado" (1966) de Jack Smight, "La leyenda del indomable" (1967) de Stuart Rosenberg, "Hombre" (1967) de Ritt, o el estupendo western "Dos hombres y un destino" (1969), primera y exitosa colaboración con el director George Roy Hill y el actor Robert Redford, trío que repetiría unos años después con "El golpe" (1973).

Nominado otra vez como actor por "Hud" y "La leyenda del indomable", Paul Newman optaría también al premio al mejor film del año 1968 por su primera película como director, titulada "Rachel Rachel" (1968) e interpretada por su esposa Joanne Woodward. Este film y otros que dirigiría con posterioridad, como"El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas" (1972), eran proyectos alejados de la comercialidad que sí poseían muchas de sus películas como intérprete.

Para desarrollar sus proyectos como autor creó junto a personajes destacados del espectáculo estadounidense, como Barbra Streisand, Steve McQueen o Sidney Poitier, la compañía First Artists.
Aunque su carrera prosiguió con productividad a principios de los 70, Paul Newman abandonó la regularidad manifiesta en la década anterior a mediados del nuevo decenio.
Sus películas eran también de menor calidad, destacando "El juez de la horca" (1972) y "El hombre de Mackintosh" (1973), ambas dirigidas por John Huston, "Con el agua al cuello" (1975) de Rosenberg, o "El golpe" (1973) y "El castañazo" (1977), las dos con dirección de George Roy Hill.
Newman también apareció en la exitosa película de catástrofes "El coloso en llamas" (1974).

En las siguientes décadas no abandonó la pantalla grande, aunque sus apariciones fueron menos constantes. Su talento como actor fue relevante en "Ausencia de malicia" (1981), un drama de Sydney Pollack, o en "Veredicto final" (1982), un fenomenal título judicial dirigido por Sidney Lumet. Por estas dos últimas películas volvió a ser nominado al Oscar, un premio que se le resistió hasta el fin de su carrera. En 1985 fue galardonado con una estatuilla honorífica y un año después logró el Oscar al mejor actor por "El color del dinero" (1986), una película dirigida por Martin Scorsese y co-protagonizada por Tom Cruise. Con posterioridad fue nominado como mejor actor principal por "Ni un pelo de tonto" (1995) y como actor secundario por "Camino a la perdición" (2002).

Progresista (es simpatizante del partido demócrata), inteligente, atractivo (su físico sirvió de base para el personaje de cómic "La linterna verde"), simpático ("realmente estoy avergonzado de que mis ensaladas tengan más éxito comercial que mis películas", había dicho irónicamente), amante de los deportes, los coches y la velocidad (nunca se doblaba en las escenas de acción), Paul Newman siempre se ha mostrado preocupado por los asuntos sociales que le rodean, no en vano todo el dinero que produce con las ventas de sus productos alimenticios van destinados a obras de caridad.
Además ha fundado un campamento de verano para niños enfermos de cáncer en Connecticut, el estado en el que reside actualmente.
El último período de la vida de Paul Newman vino marcado por el padecimiento de un cáncer de pulmón que provocó el cese de sus proyectos teatrales y, tras un tratamiento ineficaz de quimioterapia, el confinamiento en su hogar para terminar sus días rodeado de su familia.
El 26 de septiembre del año 2008 falleció a la edad de 83 años.

Pepe Carroll

José Arsenio Franco Larraz, conocido artísticamente como Pepe Carroll, fue un mago y presentador de televisión. Nació en Calatayud (Zaragoza) el 19 de septiembre de 1957 y murió en Zaragoza el día de la noche de Reyes, 5 de enero de 2004 de un infarto de miocardio. Fue enterrado el 6 de enero en el cementerio de Torrero, Zaragoza.
Su nombre artístico está tomado del seudónimo del escritor británico Lewis Carroll, autor de Alicia en el país de las maravillas.

Biografía

Realizó estudios de Ingeniería industrial, profesión que nunca ejerció. Inició su aprendizaje como mago en la Escuela de Magia de Zaragoza, obteniendo diversos premios nacionales e internacionales de magia. Escribió dos libros sobre la materia Cincuenta y dos amantes, vol.1 y 2 y varios artículos en la Escuela Mágica de Madrid y actuó, entre otros sitios, en Las Vegas, diversos países europeos e Hispanoamérica. Se inició como Manipulador y más tarde se centraría en la 'magia de cerca' y salón con juegos de manos y con baraja de cartas, siguiendo la filosofía estructuralista de la Escuela Mágica de Madrid junto con otros ilusionistas como Juan Tamariz, Camilo Vázquez, Juan Antón, Arturo de Ascanio, Doctor Varela, etc.
Dicen que la muerte de su madre hace unos años le produjo tal tristeza que poco a poco su salud se fue debilitando hasta encontrar la muerte en la noche del pasado cinco de enero. Una noche tan mágica como las actuaciones a las que tenía acostumbrado Pepe Carrol a su público.
Su verdadero nombre era José Arsenio Franco Larraz, aunque en el mundo del espectáculo se le conocía como Pepe Carrol. Tomó este nombre en recuerdo del escritor británico Lewis Carroll, autor del cuento Alicia en el país de las maravillas, un relato lleno de fantasía y magia, donde todo se transforma a través de la ironía.
A Pepe Carrol se le empezó a conocer a mediados de la década pasada cuando inició su carrera televisiva, primero en Antena 3 y luego en Tele 5. En la primera consiguió un gran reconocimiento con el programa Genio y figura, que el mismo dirigía. En este programa, cargado de humor, todos descubrimos la gracia de personajes como Chiquito de la Calzada o Paz Padilla. Más tarde, en la segunda etapa de Sorpresa, sorpresa copresentó el programa con Concha Velasco. Finalmente recaló en Tele 5, cadena en la que llegó a trabajar en dos programas Aquí no hay quien duerma y Vaya nochecita, siempre con la fórmula que anteriormente le había proporcionado el éxito: magia, humor y personajes en el escenario.
A pesar de que en los últimos años ya no aparecía en pantalla siguió trabajando en teatros y salas de fiestas. Quienes le conocían le definen como inteligente, amable, deportista y discreto.
Obtuvo varios premios nacionales de magia, escribió al menos un libro sobre esta materia y actuó, entre otros sitios, en Las Vegas, varios países europeos y en casi toda Hispanoamérica. Descansa en paz Gran artista :)

En televisión

 

 

Su popularidad llegó en la década de 1990 cuando comenzó a intervenir y presentar programas de televisión para Antena 3. El más importante fue Genio y figura (1994), espacio que descubrió, asimismo, humoristas como Chiquito de la Calzada o Paz Padilla. También presentó A quién se le ocurre (1995) y colaboró con Concha Velasco en Encantada de la vida y Sorpresa, sorpresa.
En su etapa en Telecinco, presentó los programas Vaya nochecita (1995) y Aquí no hay quien duerma (1995-1996), siguiendo el que se convirtió en su esquema habitual: magia, humor y personajes en el escenario. Participó en los programas de Juan Tamariz Magia Potagia 1987 y Luna de Verano 1990, además de pequeñas apariciones en Por Arte de Magia 1982.
Después de esto, volvió a trabajar en teatro y salas de fiestas.

Premios

En 1982 ganó el segundo premio en la categoría de Cartomagia del XV Campeonato Mundial de Magia de la FISM celebrado en Lausanne.
En 1988 ganó el primer premio en la categoría de Cartomagia del XVII Campeonato Mundial de Magia de la FISM celebrado en La Haya.
En 1994 se le entregó el Premio TP de Oro al Mejor Presentador por Genio y Figura.

Diana de Gales

(Diana Frances Spencer, llamada Lady Di; Sandringham, Reino Unido, 1961-París, 1997) Princesa de Gales. Hija del vizconde Althorp (posteriormente conde Spencer) y su primera esposa, Frances, cursó estudios en Norfolk y Suiza, tras lo cual trabajó un tiempo en una guardería de Pimlico.

En julio de 1981 contrajo matrimonio con el príncipe Carlos de Inglaterra, en una ceremonia retransmitida en directo por televisión y seguida por millones de telespectadores. Tras dar a luz a dos hijos, colaboró con varias organizaciones benéficas, especialmente las dedicadas a la lucha contra el sida y contra las minas antipersona en Angola. Su elegancia y su carisma motivaron que fuera objetivo permanente de los fotógrafos de las revistas del corazón, acoso del que se quejó en reiteradas ocasiones.

Diana de Gales en Angola

Profundas desavenencias conyugales, así como mutuas acusaciones de adulterio, llevaron a la separación del matrimonio en 1992 y a su divorcio en 1996. Tras éste, Diana perdió el título de princesa, pero no el aprecio de millones de personas.

En agosto de 1997 falleció en París junto a su compañero sentimental Dodi al-Fayed en un accidente automovilístico que conmovió al mundo. La tragedia exaltó el fenómeno social de la «dianamanía», y la casa real británica, reticente pero cediendo a la demanda, le dedicó soberbio funeral en Westminster a tono con su categoría principesca, previo al entierro en su lugar natal.

Albert Einstein

 

Albert Einstein (Ulm, Alemania, 14 de marzo de 1879 – Princeton, Estados Unidos, 18 de abril de 1955) fue un físico alemán de origen judío, nacionalizado después suizo y estadounidense. Está considerado como el científico más importante del siglo XX.
En 1905, cuando era un joven físico desconocido, empleado en la Oficina de Patentes de Berna, publicó su teoría de la relatividad especial. En ella incorporó, en un marco teórico simple fundamentado en postulados físicos sencillos, conceptos y fenómenos estudiados antes por Henri Poincaré y por Hendrik Lorentz. Como una consecuencia lógica de esta teoría, dedujo la ecuación de la física más conocida a nivel popular: la equivalencia masa-energía, E=mc². Ese año publicó otros trabajos que sentarían bases para la física estadística y la mecánica cuántica.
En 1915 presentó la teoría de la relatividad general, en la que reformuló por completo el concepto de gravedad.² Una de las consecuencias fue el surgimiento del estudio científico del origen y la evolución del Universo por la rama de la física denominada cosmología. En 1919, cuando las observaciones británicas de un eclipse solar confirmaron sus predicciones acerca de la curvatura de la luz, fue idolatrado por la prensa.Einstein se convirtió en un icono popular de la ciencia mundialmente famoso, un privilegio al alcance de muy pocos científicos.
Por sus explicaciones sobre el efecto fotoeléctrico y sus numerosas contribuciones a la física teórica, en 1921 obtuvo el Premio Nobel de Física y no por la Teoría de la Relatividad, pues el científico a quien se encomendó la tarea de evaluarla, no la entendió, y temieron correr el riesgo de que luego se demostrase errónea. En esa época era aún considerada un tanto controvertida.
Ante el ascenso del nazismo, el científico abandonó Alemania hacia diciembre de 1932 con destino a Estados Unidos, donde impartió docencia en el Instituto de Estudios Avanzados de Princeton. Se nacionalizó estadounidense en 1940. Durante sus últimos años trabajó por integrar en una misma teoría la fuerza gravitatoria y la electromagnética. Murió en Princeton, Nueva Jersey, el 18 de abril de 1955.
Aunque es considerado por algunos como el «padre de la bomba atómica», abogó en sus escritos por el pacifismo, el socialismo y el sionismo. Fue proclamado como el «personaje del siglo XX» y el más preeminente científico por la revista Time.

 

Infancia

Nació en la ciudad alemana de Ulm, cien kilómetros al este de Stuttgart, en el seno de una familia judía. Sus padres eran Hermann Einstein y Pauline Koch. En 1880 la familia se mudó a Munich, donde su padre y su tío fundaron en octubre una empresa dedicada a la instalación de agua y gas. Como el negocio marchaba bien, con el apoyo de toda la familia decidieron abrir un taller propio de aparatos eléctricos (Elektrotechnische Fabrik J. Einstein & Cie.), que suministraban a centrales eléctricas en Munich-Schwabing, Varese y Susa en Italia.
Desde sus comienzos, demostró cierta dificultad para expresarse, pues no empezó a hablar hasta la edad de 3 años, por lo que aparentaba poseer algún retardo que le provocaría algunos problemas. Al contrario que su hermana menor, Maya, que era más vivaracha y alegre, Albert era paciente y metódico y no gustaba de exhibirse. Solía evitar la compañía de otros infantes de su edad y a pesar de que, como niños, también tenían de vez en cuando sus diferencias, únicamente admitía a su hermana en sus soledades. Cursó sus estudios primarios en una escuela católica; desde 1888 asistió al instituto de segunda enseñanza Luitpold (que en 1965 recibiría el nombre de Gymasium Albert Einstein). Sacó buenas notas en general, no tanto en las asignaturas de idiomas, pero excelentes en las de ciencias naturales. Los libros de divulgación científica de Aaron Bernstein marcaron su interés y su futura carrera. Fue un periodo difícil que sobrellevaría gracias a las clases de violín (a partir de 1884) que le daría su madre (instrumento que le apasionaba y que continuó tocando el resto de sus días) y a la introducción al Álgebra que le descubriría su tío Jacob. Su paso por el Gymnasium (instituto de bachillerato), sin embargo, no fue muy gratificante: la rigidez y la disciplina militar de los institutos de secundaria de la época de Otto von Bismark le granjearon no pocas polémicas con los profesores: en el Luitpold Gymnasium las cosas llegaron a un punto crítico en 1894, cuando Einstein tenía 15 años. Un nuevo profesor, el Dr. Joseph Degenhart, le dijo que «nunca conseguiría nada en la vida». Cuando Einstein le respondió que «no había cometido ningún delito», el profesor le respondíó: «tu sola presencia aquí mina el respeto que me debe la clase».

Albert Einstein en 1893, a la edad de catorce años.

Su tío, Jacob Einstein, un hombre con gran incentiva e ideas, convenció al padre de Albert para que construyese una casa con un taller, en donde llevarían a cabo nuevos proyectos y experimentos tecnológicos de la época a modo de obtener unos beneficios, pero, debido a que los aparatos y artilugios que afinaban y fabricaban eran productos para el futuro, en el presente carecían de compradores y el negoció fracasó. El pequeño Albert creció motivado entre las investigaciones que se realizaban en el taller y todos los aparatos que allí había. Además, su tío incentivó sus inquietudes científicas proporcionándole libros de ciencia. Según relata el propio Einstein en su autobiografía, de la lectura de estos libros de divulgación científica nacería un constante cuestionamiento de las afirmaciones de la religión; un libre pensamiento decidido que fue asociado a otras formas de rechazo hacia el Estado y la autoridad. Un escepticismo poco común en aquella época, a decir del propio Einstein. El colegio no lo motivaba, y aunque era excelente en matemáticas y física, no se interesaba por las demás asignaturas. A los 15 años, sin tutor ni guía, emprendió el estudio del cálculo infinitesimal. La idea, claramente infundada, de que era un mal estudiante proviene de los primeros biógrafos que escribieron sobre Einstein, que confundieron el sistema de calificación escolar de Suiza (un 6 en Suiza es la mejor calificación) con el alemán (un 6 es la peor nota). [www.blume.net] En este "Erziehungsrat" aparece con nota 6 en los todas las asignaturas: Álgebra, Física, Geometría, Geometría Analítica y Trigonometría.
En 1894 la compañía Hermann sufría importantes dificultades económicas y los Einstein se mudaron de Múnich a Pavía en Italia cerca de Milán. Albert permaneció en Múnich para terminar sus cursos antes de reunirse con su familia en Pavía, pero la separación duró poco tiempo: antes de obtener su título de bachiller decidió abandonar el Gymnasium. Sin consultarlo con sus padres, Albert se puso en contacto con un médico (el hermano mayor de Max Talmud, un estudiante de medicina que iba todos los viernes a comer a la casa de los padres de Einstein) para que certificara que padecía de agotamiento y necesitaba un tiempo sin asistir a la escuela, y convenció a un profesor para que certificara su excelencia en el campo de las matemáticas. Las autoridades de la escuela le dejaron ir. Justo después de las Navidades de 1894, Albert abandonó Múnich y se fue a Milán para reunirse con sus propios padres.
Entonces, la familia Einstein intentó matricular a Albert en la Escuela Politécnica Federal de Zúrich (Eidgenössische Technische Hochschule) pero, al no tener el título de bachiller, tuvo que presentarse a una prueba de acceso que suspendió a causa de una calificación deficiente en una asignatura de letras. Esto supuso que fuera rechazado inicialmente, pero el director del centro, impresionado por sus resultados en ciencias, le aconsejó que continuara sus estudios de bachiller y que obtuviera el título que le daría acceso directo al Politécnico. Su familia le envió a Aarau para terminar sus estudios secundarios en la escuela cantonal de Argovia, a unos 50 km al oeste de Zúrich, donde Einstein obtuvo el título de bachiller alemán en 1896, a la edad de 16 años. Ese mismo año renunció a su ciudadanía alemana, presuntamente para evitar el servicio militar, pasando a ser un apátrida. Inició los trámites para naturalizarse suizo. A fines de 1896, a la edad de 17 años el joven Einstein ingresó en la Escuela Politécnica Federal de Zúrich, Suiza, probablemente el centro más importante de la Europa central para estudiar ciencias fuera de Alemania, matriculándose en la Escuela de orientación matemática y científica, con la idea de estudiar física.
Durante sus años en la políticamente vibrante Zúrich, descubrió la obra de diversos filósofos: Baruch Spinoza, David Hume, Immanuel Kant, Karl Marx, Friedrich Engels y Ernst Mach. También tomó contacto con el movimiento socialista a través de Friedrich Adler y con cierto pensamiento inconformista y revolucionario en el que mucho tuvo que ver su amigo de toda la vida Michele Besso. En 1898 conoció a Mileva Maric, una compañera de clase serbia, también amiga de Nikola Tesla, de talante feminista y radical, de la que se enamoró. En 1900 Albert y Mileva se graduaron en el Politécnico de Zürich y en 1901 a la edad de 22 años consiguió la ciudadanía suiza. Durante este período discutía sus ideas científicas con un grupo de amigos cercanos, incluyendo a Mileva, con la cual tuvo una hija en enero de 1902, llamada Liserl. Al día de hoy nadie sabe que fue de la niña, asumiéndose que fue adoptada en la Serbia natal de Mileva, alrededor de 1903, después que ambos contrajeran matrimonio, el 6 de enero de 1903, en la ciudad de Berna. No obstante, esta teoría difícilmente puede demostrarse, ya que solo se dispone de pruebas circunstanciales. Los padres de Einstein siempre se opusieron al matrimonio, hasta que en 1902 su padre cayó enfermo de muerte y consintió. Más su madre nunca se resignó al mismo.

Juventud

Se graduó en 1900, obteniendo el diploma de profesor de matemáticas y de física, pero no pudo encontrar trabajo en la Universidad, por lo que ejerció como tutor en Winterthur, Schaffhausen y en Berna. Su compañero de clase, Marcel Grossmann, un hombre que más adelante desempeñaría un papel fundamental en las matemáticas de la relatividad general, le ofreció un empleo fijo en la Oficina Federal de la Propiedad Intelectual de Suiza, en Berna, una oficina de patentes, donde trabajó de 1902 a 1909.Su personalidad le causó también problemas con el director de la Oficina, quien le enseñó a "expresarse correctamente".
En esta época, Einstein se refería con amor a su mujer Mileva como «una persona que es mi igual y tan fuerte e independiente como yo». Abram Joffe, en su biografía de Einstein, argumenta que durante este periodo fue ayudado en sus investigaciones por Mileva. Esto se contradice con otros biógrafos como Ronald W. Clark, quien afirma que Einstein y Mileva llevaban una relación distante que le brindaba la soledad necesaria para concentrarse en su trabajo.
En mayo de 1904, Einstein y Mileva tuvieron un hijo de nombre Hans Albert Einstein. Ese mismo año consiguió un trabajo permanente en la Oficina de Patentes. Poco después finalizó su doctorado presentando una tesis titulada Una nueva determinación de las dimensiones moleculares, consistente en un trabajo de 17 folios que surgió de una conversación mantenida con Michele Besso, mientras se tomaban una taza de té; al azucarar Einstein el suyo, le preguntó a Besso:

«¿Crees que el cálculo de las dimensiones de las moléculas de azúcar podría ser una buena tesis de doctorado?».

En 1905 redactó varios trabajos fundamentales sobre la física de pequeña y gran escala. En el primero de ellos explicaba el movimiento browniano, en el segundo el efecto fotoeléctrico y los dos restantes desarrollaban la relatividad especial y la equivalencia masa-energía. El primero de ellos le valió el grado de doctor por la Universidad de Zúrich en 1906, y su trabajo sobre el efecto fotoeléctrico, le haría merecedor del Premio Nobel de Física en 1921, por sus trabajos sobre el movimiento browniano y su interpretación sobre el efecto fotoeléctrico. Estos artículos fueron enviados a la revista Annalen der Physik y son conocidos generalmente como los artículos del Annus Mirabilis (año extraordinario).

Albert Einstein en 1920.

Niels Bohr y Albert Einstein en 1925.

Madurez

En 1908 a la edad de 29 fue contratado en la Universidad de Berna, Suiza, como profesor y conferenciante (Privatdozent). Einstein y Mileva tuvieron un nuevo hijo, Eduard, nacido el 28 de julio de 1910. Poco después la familia se mudó a Praga, donde Einstein obtuvo la plaza de Professor de física teórica, el equivalente a Catedrático, en la Universidad Alemana de Praga. En esta época trabajó estrechamente con Marcel Grossmann y Otto Stern. También comenzó a llamar al tiempo matemático cuarta dimensión. En 1913, justo antes de la Primera Guerra Mundial, fue elegido miembro de la Academia Prusiana de Ciencias. Estableció su residencia en Berlín, donde permaneció durante diecisiete años. El emperador Guillermo, le invitó a dirigir la sección de Física del Instituto de Física Káiser Wilhelm.
El 14 de febrero de 1919, a la edad 39 años, se divorció de Mileva, luego de un matrimonio de 16 años, y algunos meses después, el 2 de junio de 1919 se casó con una prima suya, Elsa Loewenthal, cuyo apellido de soltera era Einstein: Loewenthal era el apellido de su primer marido, Max Loewenthal. Elsa era tres años mayor que él y le había estado cuidando tras sufrir un fuerte estado de agotamiento. Einstein y Elsa no tuvieron hijos. El destino de la hija de Albert y Mileva, Lieserl, nacida antes de que sus padres se casaran o encontraran trabajo, es desconocido. De sus dos hijos, el primero, Hans Albert, se mudó a California, donde llegó a ser profesor universitario, aunque con poca interacción con su padre; el segundo, Eduard, sufría esquizofrenia y fue internado en 1932 en una institución para tratamiento de enfermedades mentales en Zúrich. Fue el primero de muchos ingresos. Eduard vivió 10 años más que su padre, muriendo en el centro psiquiátrico en 1965. En los años 1920, en Berlín, la fama de Einstein despertaba acaloradas discusiones. En los diarios conservadores se podían leer editoriales que atacaban a su teoría. Se convocaban conferencias-espectáculo tratando de argumentar lo disparatada que resultaba la teoría especial de la relatividad. Incluso se le atacaba, en forma velada, no abiertamente, en su condición de judío. En el resto del mundo, la Teoría de la relatividad era apasionadamente debatida en conferencias populares y textos.
Ante el ascenso del nazismo, (Adolf Hitler llegó al poder en enero de 1933), decidió abandonar Alemania en diciembre de 1932 y marchar con destino hacia Estados Unidos, país donde impartió docencia en el Instituto de Estudios Avanzados de Princeton, agregando a su nacionalidad suiza la estadounidense en 1940 a la edad de 61 años.
Para la camarilla nazi los judíos no son sólo un medio que desvía el resentimiento que el pueblo experimenta contra sus opresores; ven también en los judíos un elemento inadaptable que no puede ser llevado a aceptar un dogma sin crítica, y que en consecuencia amenaza su autoridad –por el tiempo que tal dogma exista– con motivo de su empeño en esclarecer a las masas.
La prueba de que este problema toca el fondo de la cuestión la proporciona la solemne ceremonia de la quema de libros, ofrecida como espectáculo por el régimen nazi poco tiempo después de adueñarse del poder.

En Alemania, las expresiones de odio a los judíos alcanzaron niveles muy elevados. Varios físicos de ideología nazi, algunos tan notables como los premios Nobel de Física Johannes Stark y Philipp Lenard, intentaron desacreditar sus teorías. Otros físicos que enseñaban la teoría de la relatividad, como Werner Heisenberg, fueron vetados en sus intentos de acceder a puestos docentes.
Einstein, en 1939 decide ejercer su influencia participando en cuestiones políticas que afectan al mundo. Redacta la célebre carta a Roosevelt, para promover el Proyecto atómico e impedir que los «enemigos de la humanidad» lo hicieran antes: cita|...puesto que dada la mentalidad de los nazis, habrían consumado la destrucción y la esclavitud del resto del mundo.
Durante sus últimos años, Einstein trabajó por integrar en una misma teoría las cuatro Fuerzas Fundamentales, tarea aún inconclusa.

Muerte

El 17 de abril de 1955, Albert Einstein experimentó una hemorragia interna causada por la ruptura de un aneurisma de la aorta abdominal, que anteriormente había sido reforzada quirúrgicamente por el Dr. Rudolph Nissen en 1948. Tomó el borrador de un discurso que estaba preparando para una aparición en televisión para conmemorar el séptimo aniversario del Estado de Israel con él al hospital, pero no vivió lo suficiente para completarlo. Einstein rechazó la cirugía, diciendo: "Quiero irme cuando quiero. Es de mal gusto prolongar artificialmente la vida. He hecho mi parte, es hora de irse. Yo lo haré con elegancia." Murió en el Hospital de Princeton (Nueva Jersey) a primera hora del 18 de abril de 1955 a la edad de 76 años. Los restos de Einstein fueron incinerados y sus cenizas fueron esparcidas por los terrenos del Instituto de Estudios Avanzados de Princeton. Durante la autopsia, el patólogo del Hospital de Princeton, Thomas Stoltz Harvey extrajo el cerebro de Einstein para conservarlo, sin el permiso de su familia, con la esperanza de que la neurociencia del futuro fuera capaz de descubrir lo que hizo a Einstein ser tan inteligente. Lo conservó durante varias décadas hasta que finalmente lo devolvió a los laboratorios de Princeton cuando tenía más de ochenta años. Pensaba que el cerebro de Einstein «le revelaría los secretos de su genialidad y que así se haría famoso». Hasta ahora, el único dato científico medianamente interesante obtenido del estudio del cerebro es que una parte de él - la parte que, entre otras cosas, está relacionada con la capacidad matemática - es más grande que la misma parte de otros cerebros.
Son recientes y escasos los estudios detallados del cerebro de Einstein. En 1985, por ejemplo, el profesor Marian Diamond de Universidad de California Berkeley, informó de un número de células gliales (que nutren a las neuronas) de superior calidad en áreas del hemisferio izquierdo, encargado del control de las habilidades matemáticas. En 1999, la neurocientífica Sandra Witelson informaba que el lóbulo parietal inferior de Einstein, un área relacionada con el razonamiento matemático, era un 15% más ancho de lo normal. Además, encontró la grieta de Slyvian, un surco que normalmente se extiende desde la parte delantera del cerebro hasta la parte posterior, que no recorría todo el camino en el caso de Einstein. ¿Habría podido permitir esto una mayor conectividad entre las diferentes partes del cerebro de Einstein? Nadie lo sabe...

GRACE KELLY (1929-1982) Medía 1'70. Delicada, hermosa y elegante presencia femenina en el cine de Hollywood de los años 50, musa y actriz predilecta del director Alfred Hitchcock, Grace Kelly terminó casándose con el príncipe Rainiero de Mónaco y convirtiéndose en uno de los principales objetivos de la prensa del corazón. Grace Patricia Kelly nació el 12 de noviembre de 1929 en Philadelphia (Estados Unidos) en el seno de una conocida y adinerada familia del estado de Pennsylvania. Su padre era un exitoso empresario, su tío el escritor George Kelly y su madre una antigua modelo.

La gran pasión de Grace por la interpretación afloró desde niña, actuando en su infancia en diferentes producciones escolares.
Cuando acabó el instituto se trasladó a Nueva York para trabajar como modelo mientras comenzaba a tomar clases interpretativas en el American Academic of Dramatic Arts.
A finales de los años 40 logró debutar en el teatro, consiguiendo llamar la atención de los productores de Hollywood gracias a sus apariciones en Broadway.

Su primer trabajo cinematográfico fue interpretando un papel secundario en la película de Henry Hathaway "Fourteen Hours" (1951), en donde Grace compartía cartel con Paul Douglas, Richard Basehart, Debra Paget y Barbara Bel Geddes. Su gran oportunidad llegó cuando intervino en "Sólo ante el peligro" (1952), la obra maestra de Fred Zinnemann co- protagonizada por Gary Cooper y Katy Jurado. Grace Kelly nunca fue demasiado prolífica en sus apariciones en la pantalla grande. En 1953 tan sólo protagonizó una película, "Mogambo" (1953) de John Ford, un estupendo título de aventuras africanas con un triángulo estelar completado por Clark Gable y Ava Gardner.

En 1954 coincidió en “La ventana indiscreta” (1954) por primera vez con Alfred Hitchcock, quien siempre la consideró su rubia favorita.
Después de “La ventana indiscreta”, Grace intervino en "Crimen perfecto" (1954), título con el co-protagonismo de Ray Milland, con quien mantuvo un breve romance, y "Atrapa un ladrón" (1955), película en la cual coincidió con uno de sus mejores amigos dentro y fuera de la pantalla, Cary Grant.
Estos títulos fueron los tres trabajos que Grace realizó bajo las órdenes de Hitchcock pues el matrimonio con el príncipe Rainiero de Mónaco en 1956 cortó de raíz su carrera cinematográfica.

Los otros trabajos de la sofisticada actriz fueron la película bélica "Los puentes de Toko-Ri" (1954) de Mark Robson, "La angustia de vivir" (1954) de George Seaton, "Fuego verde" (1954) de Andrew Marton, "El cisne" (1956) de Charles Vidor y el remake musical de "Historias de Filadelfia" dirigido por Charles Walters titulado "Alta Sociedad" (1956). El talento como actriz de Grace Kelly fue premiado con un Oscar por su actuación en "La angustia de vivir" (película en la que se enamoró perdidamente de William Holden, con quien estuvo a punto de casarse) y con una nominación anterior como actriz secundaria por "Mogambo". Conseguiría el Oscar Donna Reed por “De aquí a la eternidad”.

Aunque mucha gente piensa que Grace Kelly conoció al príncipe Rainiero cuando rodaba "Atrapa un ladrón" eso no es cierto. Grace intimó por primera vez con Rainiero en el Festival de Cannes cuando acudió al certamen francés para publicitar "La angustia de vivir".
La boda celebrada el 19 de abril de 1956 supuso el fin de Grace Kelly como actriz y su transformación en princesa monegasca.
Cuando unos años después, Alfred Hitchcock requirió a su musa para protagonizar "Marnie, la ladrona", Grace se mostró muy ilusionada con el proyecto y con su vuelta al cine pero su marido, el príncipe Rainiero, que no deseaba volver a ver a su esposa junto a un galán cinematográfico en la pantalla, se mostró disconforme, lo que provocó la sustitución de Grace por Tippi Hedren.
El 14 de septiembre de 1982 la princesa Grace sufrió un grave accidente automovilístico en el principado de Mónaco cuando iba en un coche junto a su hija menor Estefanía. El siniestro le causó la muerte a la edad de 52 años.

DEAN MARTIN (1917-1995) Medía 1'80. Dean Martin (de nombre real Dino Paul Crocetti) nació el 17 de julio de 1917 en la localidad de Steubenville, Ohio (Estados Unidos). Su familia procedía de Italia, siendo su padre un barbero de nombre Gateano, y su madre Angella, una mujer dedicada a sus labores domésticas.

Poco amante de los estudios, Dino abandonó el colegio y se propuso ganarse la vida en lo que fuese, trabajando desde su adolescencia en diferentes oficios como peón, gasolinero, croupier e incluso boxeador, peleando con bastante éxito con el nombre de Kid Crocetti.
Martin se fue introduciendo poco a poco en los nightclubs como cantante, actuando junto a la orquesta de Ernie McKay con el nombre artístico de Dino Martini.
En una de sus actuaciones, que compaginaban música y humor, coincidió con un cómico que intentaba también abrirse camino en el mundo del espectáculo, su nombre era Jerry Lewis.
Los dos se hicieron muy amigos, lo que les llevó a actuar como pareja en el año 1946 en el club Atlantic City, consiguiendo con su química despertar el entusiasmo entre el público asistente.

Poco después debutaron en la radio y en 1949 firmaron con los estudios Paramount para protagonizar su primera película, "My Friend Irma" (1949), un título dirigido por George Marshall. “My friend Irma” fue el inicio de una fructífera colaboración que produjo comedias como "Vaya Par De Marinos" (1951) de Hal Walker, "Qué Par De Golfantes" (1953) de Norman Taurog, "Viviendo Su Vida" (1954) de Taurog, "Artistas y Modelos" (1955) de Frank Tashlin, "Un Fresco En Apuros" (1955) de Taurog, "Juntos Ante El Peligro" (1956), también dirigidos por Norman Taurog, o "Loco Por Anita" (1956), película de Tashlin que contaba con la presencia de la sueca Anita Ekberg.

La larga amistad terminó después del rodaje de "Loco Por Anita". La pareja rompió su exitosa colaboración artística para iniciar carreras en solitario.
Mientras Jerry siguió protagonizando comedias, Dino diversificó mucho más sus papeles, demostrando un sorprendente talento para la interpretación dramática.
Además continuó grabando discos y consiguiendo éxito con canciones clásicas como "Volare" o "Everybody Loves Somebody".
En el aspecto sentimental, antes de la llegada de los 60, Martin se había casado ya en dos ocasiones. La primera con Betty MacDonald en 1940, de quien se divorció en 1949 en una relación con alcoholismo de Betty e infidelidades de Dean; y la segunda en 1949 con Jane Biegger, su relación más duradera con la que estuvo hasta el año 1973.

A partir de los años 50 Dean Martin formó parte de un grupo de actores liderado por Frank Sinatra al que denominaban "rat pack", amantes de la juerga y la buena vida y con contactos muy estrechos con el mundo de la mafia. En el cine y ya sin la compañía de Lewis, Martin destacó en títulos como "El Baile De Los Malditos" (1957) de Edward Dmytryk, "Río Bravo" (1959), western de Howard Hawks, "La Cuadrilla De Los Once" (1960) de Lewis Milestone, "Cuatro Tíos De Texas" (1963) de Robert Aldrich, "Bésame, Tonto" (1964) de Billy Wilder, o "Los Cuatro Hijos De Katie Elder" (1965) de Henry Hathaway. Además participó como protagonista principal en una serie de películas estilo James Bond encarnando al agente especial Matt Helm.

En 1973 contrajo matrimonio con su última esposa, Catherine Hawn, pero tampoco pudo lograr la estabilidad emocional deseable, rompiendo el enlace tres años después de la boda.
Del cine se retiró en la primera mitad de los años 80 tras participar en "Los locos del Cannonball" (1981) y "Los locos del cannonball 2" (1984), ambos títulos dirigidos por Hal Needham.
El 25 de diciembre de 1995 Dean Martin falleció a causa de problemas respiratorios. Tenía 78 años.
Dino tuvo ocho hijos. Cuatro con Betty McDonald: Stephen (nacido el año 1942), Claudia (1944), Barbara (1945) y Dina (1948). Tres con Jeanne: Dean Paul (1951), miembro del grupo pop Dino, Desy & Billy que falleció cuando pilotaba en un accidente aéreo, Ricci James (1953) y Gina (1956). Su octava hija fue Sasha, adoptada por Dean y Catherine Hawn.

Bing Crosby

(Harry Lillis Crosby; Tacoma, 1904 - Madrid, 1977) Actor y cantante norteamericano. Se inició en el mundo del cine actuando en cortometrajes de Mack Sennett. Gracias a la radio, los discos y el cine se convirtió en el vocalista más popular de los años 30 y uno de los más influyentes entertainers de todos los tiempos. Su actitud relajada y casual creó un estilo de cantante muy imitado durante décadas. Como personalidad del cine es recordado por haber creado un tipo cálido y amable.

Bing Crosby

La historia de este popular cantautor está vinculada, en sus comienzos, a la de las pequeñas orquestas de jazz independientes (su carrera empieza con The Rhythm Boys y la Big Band de Gus Arnheim), y a aquellos años veinte llenos de excelentes vocalistas que no pudieron sustraerse a la tentación ofrecida por el creciente sector de la música comercial. Al principio de la década siguiente participa de la frenética actividad de la industria discográfica, cinematográfica y radiofónica.

La biografía musical de Bing Crosby, igual que la de otros cantantes masculinos formados en las cercanías del jazz -Frankie Laine, Mel Tormé, Matt Denis- y que fueron después cantantes de éxito, pertenece, a partir de los treinta, al reino de la música ligera. Con un estilo vocal que marca a su generación y a las siguientes, la voz de Crosby es calificada como la de un auténtico jazz singer.

Según opinión de los críticos, esta carrera de éxitos iniciada en los años treinta se debe al tono relajado de su voz, a su forma de susurrar una melodía y a un estilo de canción que enfatiza más el texto que la melodía. Crosby se vio impulsado por la trascendencia que otorga el micrófono a esta época dorada de las pequeñas casas de discos especializadas en rhythm and blues: la Savoy, de Nueva Jersey; la National y la Apolo Record, de Nueva York y la Deluxe.

Como actor de cine llegó a protagonizar sesenta películas. Su exitosa carrera como actor coincide con el gran momento de la comedia musical, a principios de la década de los cuarenta. En los años 30 había protagonizado comedias musicales que destacaban especialmente la historia de amor. En los años 40 sobresalió como actor de talento junto a Bob Hope y Dorothy Lamour, y obtuvo un Oscar por su dramática interpretación de un cura en Siguiendo mi camino (1944). Fue además candidato al Oscar por otras dos interpretaciones dramáticas. Entre sus películas se encuentran Ondas musicales (1932); Ruta de Singapur (1940); Las campanas de Santa María (1945); Cielo azul (1946); La angustia de vivir (1954); Alta sociedad (1956).

Es preciso destacar además Holiday Inn (1942), que incluye el tema White Christmas. Dieciséis millones de copias, más de trenta millones de discos vendidos y tres número uno en las listas de éxitos convirtieron a su versión de White Christmas en el mayor triunfo en la carrera. En 1944 se inició el llamado recording ban, huelga a ultranza promovida por la American Federation of Musicians, en lucha con la industria discográfica. Conflicto del que ésta sale airosa, y que no impide que el protagonismo de Crosby dure hasta que, pocos años después, la explosión de Frank Sinatra vaticine su final.

DANNY KAYE (1913-1987) Medía 1'80. Uno de los cómicos más populares de los años 40 y 50, maestro de la comedia física y ametralladora capacidad vocal, el pelirrojo Danny Kaye nació el 18 de enero de 1913 en Nueva York (Estados Unidos), siendo bautizado con el nombre de David Daniel Kominski. En 1926 abandonó los estudios y comenzó a buscarse la vida por los clubes y cabarets de la zona de Nueva York. En la población de Catskills inició su andadura como cómico poco antes de cumplir los 14 años.

Tras actuar en el vodevil durante más de una década, logró debutar en Broadway con la obra teatral "Straw Hat Revue" y conseguir un monumental éxito al año siguiente con "Lady In The Dark" (1940), triunfo escénico que en breve le llevó a iniciar su carrera cinematográfica (a finales de los años 30 ya había aparecido como figurante en algunas producciones).
El debut real en Hollywood de Danny Kaye se produjo con la película dirigida por Elliott Nugent "Rumbo a Oriente" (1944).
Esta cinta estaba producida por Samuel Goldwyn, quien se había quedado prendado de su talento cómico y se convirtió en productor de sus principales comedias.

Danny Kaye se casó en 1940 con la compositora Sylvia Fine, una persona esencial tanto en su vida sentimental como en la profesional, ya que ejerció como principal consejera de sus interpretaciones, le compuso canciones para sus películas y le escribió parte de los gags. Dentro de sus films de finales de la década de los cuarenta, la mayoría comedias musicales, destacan "Un Hombre Fenómeno" (1945) de H. Bruce Humberstone, "El Asombro De Brooklyn" (1946), de Norman Z. McLeod, que era un remake plano por plano y en color de una película de Harold Lloyd llamada "La Vía Láctea"; "La Vida Secreta De Walter Mitty" (1947) de McLeod, "Nace Una Canción" (1948) , un remake de "La Bola De Fuego" que el mismo Howard Hawks (también dirige esta película) había estrenado en 1941, y "El Inspector General" (1949) de Henry Koster. Todas ellas muy divertidas y casi todas con Virginia Mayo como acompañante femenina.

Nunca fue un actor muy prolífico y en los 50 intervino en pocas películas.
Sus trabajos más conocidos de esa época son "En la Costa Azul" (1951) de Walter Lang y junto a la bella Gene Tierney, "El Fabuloso Andersen" (1952), biografía musical de Hans Christian Andersen con dirección de Charles Vidor, y su mejor película en la década de los 50, "El Bufón De La Corte" (1956), comedia dirigida por Melvin Frank y Norman Panama.
Dos años antes había compartido cartel con un mito del espectáculo estadounidense, Bing Crosby en "Navidades Blancas" (1954), película dirigida por Michael Curtiz.
Cuando su comicidad comenzó a perder el favor del público, que no acudió tan en masa cuando presentó comedias del estilo de "On The Double" (1961) de Melville Shavelson y "Sólo contra el Hampa" (1963) de Frank Tashlin, Danny encontró acomodo en la pequeña pantalla y triunfó durante los años 60 con su propio programa, "The Danny Kaye Show".
Posteriormente se ocupó de causas benéficas colaborando con la UNICEF, colaboración que le valió el premio Jean Hersholt en 1981.
Unas décadas antes, en 1954, la Academia de Cine estadounidense le había concedido un Oscar de honor como tributo a su carrera.
El sonriente Danny Kaye falleció a la edad de 74 años el 3 de marzo de 1987 en la ciudad de Los Ángeles.
Tuvo una hija con Sylvia a la que llamaron Dena.

John Lennon (Liverpool, 1940 - Nueva York, 1980) Cantante y músico británico, fundador del mítico grupo The Beatles, un cuarteto que formó en la ciudad de Liverpool junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr y que se ha convertido en una referencia indiscutible de la historia de la música moderna. John Winston Lennon nació en Liverpool el 9 de octubre de 1940, mientras los aviones nazis bombardeaban la ciudad. Su padre, llamado Alfred, era un marino que visitaba poco el hogar, hasta que desapareció por completo. Luego fue su madre, Julia Stanley, la que desapareció, dejando el niño al cuidado de una hermana suya llamada Mary. Fue ella quien enseñó a John los primeros acordes en un viejo banjo del abuelo de éste. Liverpool era entonces una ciudad portuaria que se hallaba en plena decadencia. Con una población heterogénea, la vida allí no deparaba grandes alegrías. Sin embargo, el constante trajín originado por el tráfico marítimo también tenía sus ventajas: en el equipaje de los marinos procedentes del otro lado del océano llegaban abundantes discos de country y rhythm and blues, que se incorporaban inmediatamente a la innata afición de los liverpoolianos por la música. John creció escuchando discos de Little Richard, Chuck Berry, Ray Charles y Buddy Holly, ilustres representantes de las corrientes musicales de aquella época. Durante unos años estudió en la escuela de Bellas Artes y al cumplir los quince resolvió sus dudas entre la pintura y la música a favor de ésta última. En 1956 conoció a un muchacho que, como él, sólo se sentía plenamente realizado con una guitarra en las manos: James Paul McCartney. Con Paul formó su primer grupo amateur, The Quarrymen, dando comienzo a un período de aprendizaje acelerado de los ritmos del rock and roll. John y Paul se dedicaron a componer sus propias canciones como si se tratara de un entretenimiento. Dos años después se les unió George Harrison y se atrevieron a actuar en algunos pequeños locales. Se denominaron sucesivamente Johnny and the Moondogs y The Nurk Twins. Fueron tiempos difíciles: la madre de John murió en 1958 atropellada por un policía borracho franco de servicio y el escaso peculio del muchacho desapareció por completo. A lo largo de 1959, John buscó trabajo infructuosamente y vivió como un parado más. Pero su vitalidad, su juventud y su amor por la música hicieron que no perdiese la esperanza. A principios de 1960 el grupo renació con el nombre de Long John and the Silver Beatles, prolijo nombre que se redujo a The Silver Beatles antes de quedarse en The Beatles. El término provenía de un juego de palabras inventado por el propio Lennon: el grupo de acompañamiento de Buddy Holly se llamaba The Crickets (saltamontes) y John se inspiró en ellos para mezclar el término musical beat, característico de toda una generación, y la palabra beetles (escarabajos). Los Beatles John, Paul y George, junto con algunos músicos profesionales, iniciaron una gira por Escocia como acompañantes de Johnny Gentle, un cantante de segunda fila. También pusieron fondo musical a los movimientos de una bailarina de strip-tease y aceptaron viajar a Alemania para tocar en varios locales del barrio chino de Hamburgo. Cualquier cosa era mejor que buscar algún trabajo, aburrido y mal remunerado, en Liverpool. Más tarde, de vuelta a su ciudad natal, se convirtieron en el grupo habitual de The Cavern, club subterráneo donde pudieron exhibir las tablas adquiridas durante sus peculiares giras. En 1961, el propietario de una tienda de discos llamado Brian Epstein los descubrió en ese antro. Fue una revelación; aunque no tenía ninguna experiencia en ese terreno, Epstein se ofreció como mánager a cambio de un 25 por 100 de los ingresos. A partir de ese momento, la carrera de los Beatles se disparó hacia el éxito. Con la incorporación como batería de Ringo Starr en 1962, el grupo ya estaba completo y preparado para hacer frente a lo que se avecinaba: la más loca vorágine de triunfos y gloria. Sus canciones, editadas por el sello EMI, empezaron a copar las listas de superventas. Los conciertos de los Beatles provocaban escenas de histeria entre las groupies y la policía se veía incapaz de contener a la juvenil masa vociferante. La "beatlemanía" se difundió por Europa, luego por Estados Unidos y más tarde llegaría al resto del mundo, incluidos los países socialistas. Las piezas de los Beatles, compuestas en su mayor parte por John y Paul, se caracterizaban por los hallazgos melódicos y armónicos, dentro de lo que después se ha llamado el "sonido Liverpool". Además, los miembros del grupo se distinguían por un nuevo estilo en la indumentaria y el corte del cabello y por una actitud alegremente desafiante, protagonizada en especial por Lennon: en las conferencias de prensa y las entrevistas, aquellos muchachos tomaban el pelo a sus interlocutores y se manifestaban como tipos ingeniosos, divertidos y despreocupados. McCartney era el apuesto romántico, Harrison el serio y Ringo el gracioso de la banda. En cuanto a Lennon, ejercía de rebelde con inquietudes y era sin duda el más incisivo. Después de ser nombrados, en 1965, Caballeros de la Orden del Imperio Británico, John desencadenará una escandalosa polémica con una de sus célebres frases: "Los Beatles son más populares que Jesucristo". Éxitos, drogas, disputas y reconciliaciones se sucederán a lo largo de los años sesenta. Y también películas, entre otras A hard days night y Help!, ambas dirigidas por Richard Lester. Brian Epstein falleció en 1967 por sobredosis de barbitúricos. Lennon contrajo matrimonio en Gibraltar al año siguiente con la japonesa Yoko Ono, enigmática mujer cuyo nombre significa "Hija del Océano". Ambos hechos fueron jalones de una separación anunciada. Problemas financieros, celos artísticos entre John y Paul, deseos de crear sin el lastre de acomodarse al grupo... todos estos elementos decretaron la disolución del conjunto en abril de 1970. Lennon pronunciará el epitafio del grupo y de la llamada "década prodigiosa" con otra frase escueta y expresiva: "El sueño se ha acabado". A lo largo de los años setenta, mientras sanan las heridas de la ruptura con la reconciliación pública de John y Paul, circulará periódicamente el rumor de una próxima reunión. Varios empresarios llegarán a ofrecer sumas fabulosas para congregarlos en un escenario, pero todo será en vano: cada uno vuela por su cuenta, libres ya del yugo de los Beatles. Para Lennon, los años setenta iban a ser de una enorme vitalidad. Por un lado, se convirtió en un activista del pacifismo. Las fotos de su luna de miel en la habitación de un hotel de Amsterdam, donde aparecía desnudo con su esposa en un gesto de elemental naturalidad, dieron la vuelta al mundo. Con Yoko había formado la Plastic Ono Band y con ella publicó una docena de discos de larga duración. Su talento como compositor y letrista siguió manifestándose en temas como "Give peace a chance", "Power to the people" o "Some time in New York City". Pero su éxito indiscutible fue Imagine, un elepé intensamente personal, editado en 1971, que contenía la canción del mismo nombre cuyo texto llegaría a ser todo un manifiesto pacifista en aquella década conflictiva. John Lennon y Yoko Ono En 1975, cuando termine felizmente su batalla contra la administración del presidente Nixon empeñada en expulsarlo de los EE UU por "extranjero indeseable" y nazca Sean Ono Lennon, único hijo del matrimonio, John desaparecerá totalmente de la circulación y se dedicará a la vida familiar. Durante cinco años, sus comparecencias en público fueron escasas y extraordinarias. Parecía que ni una sola nota ni una palabra más iban a salir de su hasta entonces inquieto espíritu. Pero en 1980 el famoso beatle enclaustrado salió de su mutismo para grabar con Yoko el álbum titulado Double Fantasy. En él pregonaba su eterno amor por su esposa y su hijo con los simples y pegadizos estribillos de siempre. En otoño de ese año, al explicar los motivos de su regreso a los estudios, Lennon aseguraba: "Hay gente irritada conmigo porque no hago música. Si yo hubiera muerto en 1975, sólo hablarían de lo fantástico que era y cosas así. Lo que les enfurece es que yo seguí viviendo y decidí que lo más importante era hacer exactamente lo que me apetecía. En estos cinco años de silencio he aprendido a librarme de mi intelecto, de la imagen de mí mismo que yo tengo. Las canciones que hago surgen de forma natural, espontánea, sin pensar conscientemente en ellas. En cierta forma, es como volver al comienzo. Tengo la sensación de que estoy ante mi primer disco." Días después, el 8 de diciembre de 1980, las balas asesinas de un adorador perturbado terminaron con su vida y lo convirtieron, si es que aún no lo era, en un dios de la modernidad. El escritor Norman Mailer afirmó: "Hemos perdido a un genio del espíritu". Como reacción inmediata a su muerte, los seguidores de Lennon llevaron póstumamente "Imagine" al número uno de las listas. Nunca tal número de seres humanos habían llorado tanto al escuchar una canción.

CLARK GABLE (1901-1960) Medía 1'85. William Clark Gable nació el 1 de febrero de 1901 en Cadiz, Ohio (Estados Unidos). Era el hijo único de Adeline Hershelman y del granjero y trabajador de una refinería de petróleo William H. Gable. Adeline falleció cuando Clark solamente tenía siete meses de edad. Poco después su padre contrajo matrimonio con Jennie Dunlap, una mujer a la que Gable siempre adoró. Tras el enlace la familia Gable se trasladó a vivir a la localidad de Hopedale.

A Clark no le gustaba demasiado la disciplina académica, así que abandonó sus estudios cuando estaba en el instituto para intentar ganarse la vida trabajando en una fábrica de neumáticos ubicada en Akron, Ohio.
En los descansos del trabajo le gustaba pasar el tiempo contemplando obras de teatro. Tanto le agradó el mundo de las bambalinas que decidió unirse a una compañía de aficionados.
En su juventud Gable compaginó sus diversos oficios con las representaciones escénicas hasta que logró debutar en Broadway, convirtiéndose en un actor profesional gracias a la mediación de la actriz y directora de teatro Josephine Dillon, mujer mucho mayor que Gable con la que se casó en el año 1924.
Su talento natural como intérprete y las recomendaciones de Dillon le hicieron debutar a mediados de los años 20 en pequeños papeles cinematográficos, apareciendo en películas como "Forbidden Paradise" (1924) o "La Viuda Alegre" (1925), esta última dirigida por Erich Von Stroheim.
Estas primeras participaciones en la gran pantalla fueron en papeles que no lograron satisfacer su ambición como actor, provocando su regreso a las tablas de Broadway.

Un espectador de lujo quedó entusiasmado con la representación de Gable en la obra teatral "The Last Mile". Ese espectador era Lionel Barrymore, quien lo primero que hizo cuando regresó a Los Ángeles fue hablarle de Gable a Irving Thalberg, uno de los principales dirigentes de la Metro Goldwyn Mayer. La respuesta de Thalberg fue tajante tras una prueba: "¡¡Pero mira qué orejas de murciélago tiene!!"... Aún así terminó contratándole. La década de los años 30 fue la etapa de mayor gloria cinematográfica para Clark Gable. En el aspecto sentimental, Clark se había divorciado en 1930 de Josephine Dillon para casarse con otra mujer de más edad y también adinerada cuyo nombre era Rhea Langham. En la Metro debutó con un personaje secundario en "El Desierto Pintado" (1931), un film dirigido por Howard Higgin. Este fue el inicio de una primera parte de decenio extraordinariamente prolífica, solamente baste decir que protagonizó once películas en el año 1931.

Sus títulos más destacados fueron "Enfermeras De Noche" (1931) de William Wellman, "Amor En Venta" (1932), película dirigida por Clarence Brown que contaba con una de sus habituales parejas femeninas, Joan Crawford, "No Man Of Her Own" (1932) de Wesley Ruggles, "Tierra De Pasión" (1932), film de Victor Fleming co-protagonizado por Jean Harlow, otra de sus partenaires más usuales, "Extraño Intervalo" (1932) de Robert Z. Leonard, "Tú Eres Mío" (1933) de Sam Wood, "Sucedió Una Noche" (1934) de Frank Capra, película con la que consiguió su definitivo asalto a estrellato y con la que ganó el premio Oscar, "El Enemigo Público Número 1" (1934), melodrama de Van Dyke con Myrna Loy y William Powell, "La Llamada De La Selva" (1935) de William Wellman, "Mares De China" (1935) de Tay Garnett, "Rebelión A Bordo" (1935), película dirigida por Frank Lloyd, "San Francisco" (1936) de Van Dyke, "Sucedió En China" (1937) de Jack Conway, y la mítica "Lo Que El Viento Se Llevó" (1939) jalonan un decenio impresionante para el intérprete de Ohio.
Tras ganar la estatuilla con "Sucedió Una Noche", Gable volvió a ser nominado al Oscar por "Rebelión A Bordo" (1935) y por "Lo Que El Viento Se Llevó" (1939).

En la película "No Man Of Her Own" (1932) Clark coincidió con una rubia actriz llamada Carole Lombard. Desde esa fecha mantuvieron flirteos hasta su vínculo marital en una boda celebrada en el año 1939 tras el divorcio de Gable con la millonaria Langham. El feliz matrimonio acabó en tragedia ya que Carole falleció tres años después en un accidente de aviación, sumiendo a Gable en una profunda depresión que le llevó a abandonar el cine durante tres años, período en el que estuvo sirviendo en el ejército norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial. Gable era el actor favorito de Hitler y éste, sabiendo que Clark estaba combatiendo en el conflicto, ofreció una recompensa para el que le apresara y se lo entregasen vivo. Por esas razones, en especial la muerte de Carole Lombard, los años 40 no fue una buena época profesional ni personal para Clark Gable, quien protagonizó pocas películas, entre ellas "Fruto Dorado" (1940), "The Hucksters" (1947) o "Quiero A Este Hombre" (1941), las tres dirigidas por Jack Conway, "Strange Cargo" (1940) de Frank Borzage, o "Sublime Decisión" (1948), un título realizado por Sam Wood.

Los años 50 recuperaron el atractivo comercial de Gable. Rompió el contrato con la Metro, se casó en 1949 con su cuarta mujer, Sylvia Ashley (ex esposa de Douglas Fairbanks), y se convirtió en actor freelance, apareciendo en populares films como "Mogambo" (1953) de John Ford, "Cita en Hong-Kong" (1955) de Edward Dmytrik, "Torpedo" de Robert Wise, o "Vidas Rebeldes" (1961), su última película a las órdenes de John Huston y con un reparto más que legendario, ya que los co-protagonistas de Gable eran Marilyn Monroe y Montgomery Clift.
Tras romper con Sylvia Ashley, Clark Gable se casó en 1955 con su última esposa, Kay Spreckles, con la que tuvo a su único hijo, John Clark Gable.
Judy Lewis, hija de Loretta Young, era hija ilegítima del actor de Ohio, quien mantuvo un tórrido romance con Loretta mientras ambos rodaron "La Llamada De La Selva" (1935). Poco antes del nacimiento de su hijo, Clark, apodado "El Rey De Hollywood", había fallecido a los 59 años el 16 de noviembre de 1960. Fue enterrado por expreso deseo al lado de su gran amor, Carole Lombard.

GENE KELLY (1912-1996) Medía 1'70. Excepcional bailarín y coreógrafo, junto a Fred Astaire la figura masculina más importante y significativa de la historia del musical americano. De nombre real Eugene Curran Kelly, Gene nació el 23 de agosto de 1912 en Pittsburgh, Pennsylvania (Estados Unidos), en el seno de una familia de clase media. Su padre era vendedor de fonógrafos.

La afición por la danza vino impulsada por su madre Harriet, amante del baile que impulsó la creación del conjunto "The Five Kellys", compuesto por los cinco hermanos Kelly: Gene, Jay, Louise, Jim y Fred.

Después de romperse el quinteto, Gene y su hermano Fred continuaron bailando en actuaciones vodevilescas con el nombre de "The Kelly Brothers". Ambos pasaban horas y horas ensayando enérgicas y vibrantes coreografías, posteriormente características de la danza del atlético artista. A finales de los años 30 y tras estudiar Económicas en la Universidad de Pittsburgh, el talento como bailarín de Gene Kelly le llevó a lograr su gran objetivo de intervenir en una gran obra en Broadway, la meca del teatro mundial. El protagonismo en "Pal Joey" atrajo la atención del siempre inquieto David O. Selznick, afamado productor con quien logró aterrizar en Hollywood.

Su primera película fue producida por la Metro Goldwyn Mayer, estudio al que Selznick había cedido a su protegido. La co-protagonista era Judy Garland, el director Busby Berkeley, el productor Arthur Freed y el título "For Me And My Gal" (1942).
A pesar de que el film no fue excesivamente bien recibido por el público y crítica de la época, Arthur Freed, principal responsable de los musicales del estudio del león, apreció la sobresaliente aptitud de Kelly y le propuso un contrato para quedarse en la Metro.

Gene aceptó y a raíz de esa decisión escribió páginas inmortales para los amantes del cine musical, consiguiendo triunfar en los años 40 con películas como "Las Modelos" (1944) junto a Rita Hayworth y bajo dirección de Charles Vidor, "Levando anclas" (1945), un título de George Sidney co-protagonizado por Frank Sinatra y Kathryn Grayson, "El Pirata" (1948) de Vincente Minnelli y con Judy Garland como partenaire, "Los Tres Mosqueteros" (1948) de Sidney, o "Un Día En Nueva York" (1949), la primera película que dirigió al alimón con su buen amigo Stanley Donen. Las fibrosas coreografías de Kelly se convirtieron en un éxito, especialmente con este último título neoyorquino, un clásico incontestable del género musical.

En el año 1945 fue nominado por primera y última vez al Oscar. No logró la estatuilla, que fue a parar a manos de Ray Milland por su actuación como alcohólico en los "Días Sin Huella" de Billy Wilder.
El infatigable brío de su baile contrastaba con la elegancia de Fred Astaire y así lo expresó el propio Kelly con esta frase: "Si Fred Astaire es el Cary Grant del musical, yo soy el Marlon Brando". Ambos genios del baile eran íntimos amigos.
Si la faceta profesional iba viento en popa, en el apartado sentimental la vida de Gene era también muy estable, pues estaba casado con la actriz y bailarina Betsy Blair desde el año 1941. Sin embargo, la felicidad de la pareja se rompió en 1957, cuando decidieron divorciarse tras 16 años de matrimonio.

Los años 50 fue una etapa triunfal para Gene Kelly, ya que fue el máximo responsable de películas como "Un Americano En París" (1951) de Minnelli, "Cantando Bajo La Lluvia" (1952) de Donen y el propio Kelly, "Brigadoon" (1954) de Minnelli, "Siempre Hace Buen Tiempo" (1955), magnífico musical de nuevo con la pareja Donen/Kelly al mando, o "Las Girls" (1957), título dirigido por George Cukor. En 1951 le fue concedido un Oscar especial por su versatilidad como actor, cantante, bailarín, coreógrafo y director.

Con la llegada de los años 60 y la triste desaparición del musical clásico, Gene Kelly, que intervino como actor en muy pocas películas (la más destacada es "La herencia del viento" de Stanley Kramer y la última es "Xanadú" junto a Olivia Newton-John), se ocupó mas de tareas de dirección en títulos como "Gigot" (1962), "Guía Para El Hombre Casado" (1967), "Hello, Dolly" (1969) o "El Club Social De Cheyenne" (1970).
En 1960 contrajo matrimonio con la bailarina y actriz Jeannie Coyne, quien apareció sin acreditar en "Cantando Bajo La Lluvia" y solía colaborar con Gene como asistente de baile. Esta segunda tentativa de felicidad matrimonial se vio truncada al morir de cáncer Jeannie en 1973.
En 1990 lo intentó por tercera vez, ahora con la escritora Patricia Ward, a quien dejó viuda el 2 de febrero de 1996, día en el que Gene Kelly falleció a causa de un ataque al corazón. Tenía 83 años.
Tuvo tres hijos, uno de su matrimonio con Betsy Blair, llamado Kerry, y dos con Jeanne Conney, Bridget y Tim.

Frank Sinatra

(Francis Albert Sinatra; Hoboken, EE UU, 1915-Los Ángeles, 1998) Cantante de música ligera y actor estadounidense. La vocación musical de Sinatra nació en 1933, tras asistir a un concierto del cantante Bing Crosby. Dos años después ingresó en el grupo llamado The Hoboken Four y se presentó al programa radiofónico Major Bowes Amateur Hours, lo que le procuró actuaciones en diversos espectáculos radiofónicos.

En 1939, el trompetista Harry James lo contrató como cantante de su orquesta, con la que realizó sus primeras grabaciones. Ese mismo año contrajo matrimonio con Nancy Barbato. En 1940 se produjeron dos hechos fundamentales en su trayectoria personal y artística: ingresó en la orquesta de Tommy Dorsey, uno de los conjuntos de swing más populares de Estados Unidos por aquel entonces, y nació su hija Nancy.

Frank Sinatra

Por su destacada personalidad, en 1942 se convirtió en un ídolo de la juventud estadounidense; en 1943 inició su carrera en solitario con la publicación del elepé All or nothing at all, del que logró vender un millón de copias. Con su popularidad en alza, en 1944 debutó en el cine con la película Higher and higher. Ese mismo año nacería su hijo Francis Wayne, y cuatro años después, su segunda hija, Tina. A principios de la década de 1950, una grave afección en las cuerdas vocales hizo temer que el cantante tuviera que abandonar su carrera musical prematuramente; sin embargo, se recuperó sin mayores problemas.

En 1951 se divorció de Nancy para casarse con la popular actriz Ava Gardner. Dos años después, obtuvo un Oscar de Hollywood al mejor actor secundario por su interpretación en el papel de Angelo Maggio en la película De aquí a la eternidad (From here to eternity). Ese mismo año se separó de Ava Gardner. En 1955 retomó su carrera musical con el disco In the wee small hours, que llegó a situarse en el segundo lugar de las listas de éxitos estadounidenses, mientras en el apartado cinematográfico fue propuesto para el Oscar al mejor actor por su actuación en el filme El hombre del brazo de oro (The man with the golden arm).

El disco Songs for swingin’ lovers apareció en 1956, y alcanzó así mismo el número dos en las listas del país, en las que permaneció durante 66 semanas. Al año siguiente, en 1957, obtuvo por fin el divorcio de Ava Gardner, y un año más tarde publicó el elepé Come fly to me, el primero en situarse en primer lugar de las listas, en las cuales se mantuvo durante 71 semanas, cifras que superaría con Only the lonely y sus 120 semanas de permanencia.

En la década de 1960 prolongó su brillante carrera discográfica con títulos como Nice and easy (1961) y Strangers in the night (1962). También protagonizó la película El mensajero del miedo (The manchurian candidate, 1962), que pese a ser considerada por la crítica estadounidense una de las mejores películas de Sinatra, no obtuvo un gran reconocimiento del público.

Cuando contaba cincuenta años de edad se casó con la actriz Mia Farrow, treinta años más joven que él, aunque el matrimonio naufragó pronto. En 1968 se volvería a divorciar, para contraer en 1976 su cuarto matrimonio, en esta ocasión con Barbara Marx, la viuda del actor cómico Zeppo Marx. En el apartado musical, se prodigó en colaboraciones como Sinatra-Basie (1962), con su ídolo de juventud Bing Crosby en 1964, con su propia hija Nancy y con el compositor brasileño António Carlos Jobim en 1967 o con Duke Ellington en 1968.

En la década de 1970 se consolidó como una autentica institución de la música popular, y en 1980 interpretó su último papel dramático en la película El primer pecado mortal (The First Deadly Sin), aunque aún se le pudo ver en algún cameo como el de la comedia Los locos de Cannonball 2, del 1984. En el año 1990, con motivo de su septuagesimoquinto cumpleaños, celebró una exitosa gira por su país y en 1994 fue galardonado con el Premio Grammy por la totalidad de su carrera artística.

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